CRONICA

In-edit Chile: American Valhalla el viejo boxeador pide otro round

El pasado 05 de Diciembre estuvimos en lo que fue una suerte de calienta motores en el marco In-edit Festival Chile 2018. De paso quedamos invitados a la premiere de American Valhalla en nuestro país. En extenso la resena de estos ochenta minutos llenos de auténticos regalos para los acérrimos seguidores de Iggy Pop

American Valhalla ofrece otro momento de amor hacía la figura de Iggy Pop, documentando todos los aspectos de su reciente colaboración con Joshua Homme (QOTSA) en la grabación de,Post-Pop Depression, nominado al Grammy. Es una versión pulida y oficial de eventos que viajan desde conceptos básicos hasta un concierto final triunfante. O sea que será suficiente para muchos fanáticos del fundador de Iggy and the Stooges  fines de los 60`s. Los momentos de honestidad y autorreflexión de Iggy empujan el material más allá de lo promocional o conmemorativo hacia diversas visiones de la vida, llevando de la mano el mantra: “Sin riesgo, no hay ganancia”

El corazón  de Post Pop Depression está en la decisión de Iggy de salir de su zona de confort e intentar crear un álbum único que lo devolviera a sentirse vivo. Podría ser su último álbum. Reclutando a Joshua Homme de Queens Of The Stone Age, “estaba buscando a alguien que me desafiara e inspirara a ir más allá” comenta Pop.

Entrevistados por separado y juntos, los dos hombres revelan una apreciación mutua y una sensación compartida de que estaban trabajando de una manera que alentaba la creatividad, manteniendo el lado “comercial” del negocio alejado de la música. Homme reunió a su compañero de banda en Queens Of The Stone Age Dean Fertita y al baterista de Arctic Monkeys Matt Helders como parte de un proyecto. Todo es bastante básico: Pop y Homme se dirigieron a un estudio remoto en el desierto, fuera de Joshua Tree para vincularse y grabar, antes de pulir las pistas en Los Ángeles y salir a la calle.

El metraje detrás de escena capta la forma de las letras, la combinación de la música y el sentido de la destreza y el alma que se introdujeron en pistas de álbumes como Break Into Your Heart, Sunday y American Valhalla. Homme parecía capaz de empujar a Iggy a reflexionar sobre la mortalidad, el sexo y el éxito en las letras que reflejaban su deliberada condición de destructor de íconos.

El reconocido chef Anthony Bourdain lanza algunas preguntas a ambos hombres, las extensas y sugestivas fotografías en blanco y negro tomadas por Matt Helders se presentan a lo largo y todo subraya que este fue un momento especial y único en la vida de todos los que participaron.

La prueba de todo esto está en la actuación y la película se dispara durante un gran concierto que culmina en una noche inolvidable en el Royal Albert Hall de Londres. Las actuaciones de Lust For Life, Passenger y el nuevo material confirman el estatus de Iggy Pop como un actor vivo emocionante y comprometido.

Homme describe Post Pop Depression como: “la cosa más genial de la que se me ha permitido formar parte” y hay un elemento de autogratificación y auto mitificación que es fácil  perdonar porque, veamos,  Iggy Pop es muy atractivo en muchos sentidos. Contando historias de su viejo amigo David Bowie o zambulléndose en una multitud, él es como un viejo boxeador canoso, determinado a demostrar que aún le quedan algunas rondas y American Valhalla rinde homenaje a ese espíritu aparentemente indestructible. Pese a todo es un documental bastante autocomplaciente, de cuál los fieles seguidores de Iggy pueden encontrar esto emocionante; para el resto de nosotros, puede que sea sólo otro registro ligeramente olvidable. Espero equivocarme.

0 Comments | Views: 186
Share

Strung Out tuvo su revancha en Santiago

Por Hérmes Domínguez / Fotos @brownn_eve

Los fanáticos del hardcore punk se dejaron querer este 2017. El año que comienza a despedirse dejó en evidencia la importancia que está tomando la escena nacional, y lo considerada que está siendo fuera de Chile. Sin ir más lejos, presenciamos grandes espectáculos, como el de los suecos Satanic Surfers, los californianos Face to Face e Ignite, los nacionales de Fuerza de Voluntad y, recientemente, a los argentinos de Eterna Inocencia.

Pero aún quedaba una carta bajo la manga, pues el martes 5 de diciembre se presentó en el Domo San Diego la banda Strung Out. El quinteto estadounidense -cuarteto debido a problemas familiares de Jake Kiley- tocó en el galpón ubicado en la icónica calle de Santiago Centro con un sabor a revancha en la boca. Si nos remontamos años atrás, la banda canceló su gira latinomaericana por problemas de vuelos, desmintiendo categóricamente un conflicto entre Jordan Burn y Jason Cruz. Para colmo, el año pasado no la pasaron bien en el Festival Bowlzilla de Ritoque, donde tocaron ante un escaso y pasivo público.

Situación similar experimentaron los nacionales Childdish, quienes tocaron una decena de canciones ante apenas un puñado de personas, que de igual maneran aplaudieron y escucharon respetuosamente la puesta en escena de los santiaguinos.

Childdish

“La Perversión”, “Oídos Sordos”, “Nuestra Amistad” y “A la Derecha” fueron parte del repertorio de los criollos, que acompañaron con sus reconocidos mensajes contestatarios y su actitud arrolladora, que no tuvo nada que envidiarle a los grandes protagonistas de la noche.

Al terminar la actuación de Childdish, el recinto de San Diego se comenzó a llenar paulatinamente. Aproximadamente 300 individuos tomaban posición para ver al quinteto liderado por Jason Cruz. Las luces se apagaron y un silencio expectante cubrió el Domo. La calma previa antes de la tormenta.

“Everyday” fue el tema escogido para abrir, provocando los primeros mosh y stage dives de la noche. Las emociones no se hicieron esperar, y al interpretar “Rebellion of the Snakes”, el vocalista Jason Cruz sacó una bandera chilena para reforzar la complicidad con el público presente. Entre frenéticos gritos, agradeció la invitación y manifestó su entusiasmo de estar nuevamente en tierras chilenas.

“Bring Out Your Dead” continuó con la euforia del show, para posteriormente cantar en coro unísono “Soulmate”, rindiéndole un homenaje a otra emblemática banda de la escena: No Use For A Name y su voz ausente Tony Sly.

Y es que la presentación de Strung Out estuvo repleta de guiños hacia sus influencias y orígenes musicales, pues además de sus canciones propias, tocaron covers de NOFX y Black Sabbath. Incluso Billy Idol fue aludido, tributo agradecido por los presentes.

La interpretación de “Deville” marcó uno de los puntos más altos del concierto, abriendo un gran mosh pit en el corazón del recinto. “Exhumation of Virginia Madison” y “Solitaire” completaron el tridente más potente del repertorio de los californianos. Aunque fue “Firecracker” la que protagonizó el momento de mayor complicidad entre la banda y los asistentes.

Strung Out comenzó a despedirse con uno de sus clásicos, “Match Box”, canción que fue acompañada por una curiosa maniobra entre Jason Cruz y Chris Aiken intercambiaron sus roles. A eso se le suma que el bajista se lanzó al público, completamente conmocionado con lo vivido en San Diego.

Así, el opaco debut de los californianos en tierras chilenas quedó en el olvido, pues tanto los músicos como los espectadores recordarán la noche del 5 de Diciembre de 2017 como la jornanda en que el hardcore punk triunfó, pues Strung Out tuvo su revancha con sus seguidores chilenos.

De hecho, Burns publicó en sus redes sociales que el encuentro en el Domo San Diego fue “el mejor concierto de la gira sudamericana”.

Revisa más fotos Aquí

Setlist:
Everyday
Rebellion of the snakes
The animal and the machine
Too close to see
Dead spaces
Soulmate
Monster
Cult
Nowheresville
Deville
Virginia
Solitaire
Firecracker
Mind of my own
Ultimate
The misanthropic principle
Match book

 

4 Comments | Views: 399
Share
(c)Manson Ph.

Eterna Inocencia en Chile: Una sola voz que clama “Arte es disfrutar”

Por Hermes Domínguez Vásquez / Fotografìa @Manson.fotografias // Video Jona Gutiérrez

Siempre será injusto catalogar de “premio de consuelo” un gran show como el que ofreció Eterna Inocencia la noche de este sábado 25 de noviembre en el Teatro Cariola, pero la paupérrima gestión de la productora Transistor intentando parar la versión 2017 del Rockout no puede quedar impune en esta crónica.

Lo cierto es que este nuevo fracaso en la industria de los megaeventos musicales, promovió a la banda argentina de un rol más secundario a protagonista de una noche mágica, ratificando que su hardcore punk es casi una religión en tierras chilenas.

Después de dieciocho meses de ausencia, el quinteto trasandino tuvo su reencuentro con el público criollo. Los riff iniciales de “Viejas Esperanzas” acallaron las pifias de los más ansiosos, transformándolas en un coro unísono, cómplice entre la banda y los más de mil fanáticos presentes.

“Abrazo” y “Encuentro Mi Descanso Aquí” fueron los temas que siguieron antes de que Guille (vocalista) saludara al público y reconociera que, a pesar del fallido intento de la productora por juntarlos con otras bandas de la escena hardcore punk y metalera, siempre será un agrado volver a Santiago, recordando con emoción “Una Tarde Mágica”, su disco en vivo grabado en Chile trece años atrás.

La presentación continuó cargada de clásicos de la talla de “Trizas de Vos”, “A Elsa y Juan” y “Las Distancias Son Nada, A Veces”, cada uno de ellos coreado más fuerte que el anterior. A esa altura, los problemas de sonido eran evidentes. La voz de Guille protagonizaba un constante ir y venir, mientras que las guitarras también fueron víctimas de la acústica.

Pero más que ser una molestia en la interpretación de los temas, que con la ayuda de las más de mil gargantas lograron mitigar ese escollo, la deficiencia del sonido le jugó una mala pasada a los discursos del frontman, reconocidos por su carga emotiva y combativa.

“Tus Heraldos” y “La Radio Comunitaria” fueron las representantes del disco “Entre Llanos y Antigales” (2014), que permitieron bajar un poco las revoluciones, hasta que el quinteto encabezó un homenaje a la labor de los medios de comunicación alternativos bajo la consigna: “la prensa burguesa no nos interesa”.

Es que incluso los temas más nuevos, como “Mis Maestros” y “Cassiopeia” fueron acompañadas por la voz única de la multitud, evidenciando la devoción que existe por el grupo argentino y por su trabajo discográfico. Esa devoción que hace que hasta las canciones con pocos años de vida sean coreadas como verdaderos himnos.

Uno de los momentos de mayor velocidad estuvo a cargo del tridente “El Puente de Piedra”, “La Risa de los Necios” y “Resistencia”, aprovechando ésta última para dedicar unas palabras a la memoria de Santiago Maldonado, joven trasandino que fue encontrado muerto tras participar de una manifestación a favor del conflicto mapuche. Mientras que los puntos de más complicidad entre los músicos y sus fanáticos se dieron bajo las melodías de “Vientos del Amanecer”, “Nuestras Fronteras”, “Vivan Mis Caminos” y “Le Pertenezco a tus Ojos”.

Para comenzar a sellar la jornada, temas como “Inocencia”, “América” y “Sin Quererlo Mi Alma Se Desangra” liberaron las últimas energías del público, que con respeto escucharon la dedicatoria de “A Mis Maestros” que Guille le hizo al trabajo de los profesores y de “Weichafe Catrileo”, que en esta oportunidad cobró mayor sentido, pues además de estar inspirada en el joven mapuche asesinado a manos de la policía chilena en enero del 2008, fue dedicada al mismo Santiago Maldonado y a otro joven mapuche que había sido asesinado hace algunas horas en Argentina. Reflexivo final respecto a estos actos de violencia que no cesan, especialmente en Latinoamérica.

Llegado el momento de concluir, esta ha sido la presentación de Eterna Inocencia en Chile con el peor sonido en directo. Paradójicamente, vinieron de la mano de una productora grande. Y es que la esencia de la banda se reduce a lo sencillo, a la autogestión, a la filosofía del “Hazlo Tú Mismo” que profesan en sus canciones.

Afortunadamente, el vínculo construido entre el quinteto y sus seguidores chilenos es tan fuerte que aquello pasó a un segundo o tercer plano. No obstante, en estas líneas me permito citar un extracto del “Arte Es Disfrutar” y digo: “Basta de corporaciones que se dan la mano subestimando nuestro arte”.

Setlist:
– Viejas Esperanzas
– Abrazo
– Encuentro Mi Descanso aquí
– Trizas de Vos
– A Elsa y Juan
– Tus Heraldos
– Río Lujan
– La Radio Comunitaria
– Hazlo Tú Mismo
– Congreso
– Verano en Tu Ventana
– Me Llevarás
– Vientos de Amanecer
– La Muerte de Pablo
– Puente de Piedra
– La Risa de los Necios
– La Resistencia
– Cuando Pasan
– Arte es Disfrutar
– Carlogo
– Cassiopeia
– Nuestras Fronteras
– Vivan Mis Caminos
– Le Pertenezco a Tus Ojos
– Inocencia
– América
– Sin Quererlo
– Mi Familia
– A los que Se Han Apagado
– Mis Maestros
– Weichafe Catrileo

25 Comments | Views: 2524
Share

Crónica: Trágica agonía de un pájaro azul (La niña horrible)

“[…] la construcción de una identidad sexual coherente, sobre la base disyuntiva de lo femenino/masculino, sólo puede fracasar; las alteraciones de esta coherencia a través de la reaparición involuntaria de lo reprimido muestra no sólo que la «identidad» se constituye, sino que la prohibición que construye la identidad no es eficaz (la ley paterna no debe verse como una voluntad divina determinista, sino como un desacierto continuo que sienta las bases para la insurrecciones contra el padre)” (Butler 90).
El ensordecedor eco aun retumba en la sala. ¿Fue una bala? Directora y actores ganan reconocimiento público. El compromiso ha sido aprovechado exitosamente, no -solo- para alimentar su narcisismo, sino también para postular discusiones y trabajar ganando y haciendo ganar espacios de discusión introduciendo una señal, de alerta, ¿Qué es la falta de comunicación? Habitamos la subjetividad con dejos de sustancias sociales: El lenguaje. Es lo que da a una obra, por más personal que sea, su propia intimidad.
La habitación es de un color un poco apagado y reconocemos una construcción de los cincuenta o sesentas para nada abandonada, pero si muy agreste. No resulta extraña ni azarosa la elección, ya que, el universo se localiza justo en el centro de acción. Por ratos la risa, produce una sensación de perplejidad en el espectador, cómplice, por compartir el mismo contexto “…me echaron del trabajo // llore y después me hice pichi…”. Esa es la sensación que nos apodera cuando entramos en la: Trágica agonia de un pájaro azul. Para bien o para mal, la condición humana y lo que es capaz de hacer un hombre y/o una mujer en situaciones límites, devienen en situaciones de no ficción que tornan un apego a la realidad y sobretodo le da universalidad, con un texto fuertemente apelativo.
A lo largo de la historia, la sociedad se ha encargado de enmarcar a la mujer bajo parámetros que la determinarán como un ser mercantil y de consumo. Lo cual, se expresa, por medio de espectacularizaciones múltiples que se manifiestan en imágenes basadose en canones de belleza y fetichismo. Ante esto, el género en la actualidad se encuentra entrelazado, entre las tradiciones impuestas por Europa y el poder punitivo que se ejercerá. De esta manera, en la actualidad, el paralelismos que las corrientes intelectuales pasadas ha forjado se fragmentaran ante nuevas teorías y pensamientos que pondrán al género ante una discrepancia.
Entonces, ¿Qué es ser mujer hoy en día? ¿Cuáles son los roles que cada ente [refiriendome a la biología que lo determina] va a desepeñar culturalmente? ¿Cómo socialmente es entendido el concepto de género y performance? ¿Cómo se construye el concepto de mujer? Para resolver estas preguntas, nos efocaremos en el texto El género en disputa: Feminismo y la subversión de la identidad escrito por Judith Butler, con mayor precisión en el capítulo primero que se enfocará en cuestionar al sujeto de sexo, género, deseo y ejemplificarlo en la obra La trágica agonia de un pajaro azul, escrita por la dramaturga Carla Zúñiga y dirigida por Javier Casanga.
El pasado Viernes 14 de Octubre a las 20:30 en el teatro Camilo Henriquez, se llevo a cabo una de las diversas funciones que la compañía La Niña Horrible montara este mes. Abordamos un mosaico de personajes, que construyen un canto, muy único, amargo, y dulce a la capacidad humana de supervivencia, y al valor que se expresa en los actos cotidianos.
La tematica general de la obra se funde en el relato de “Nina” una mujer que bordea los cuarenta años, la cual vive con su madre, quienes han tenido que llevar el duelo de una gran perdida. Ambas se encuentran sometidas ante los prejucios sociales que se han impuestos como elementos categoriales que las definen como ser en sí. Dibujamos sobre retratos aparentemente antiguos, donde una escenografía de carácter barroco, muy apacible, y un juego de luces tenue, da paso al primer núcleo donde pueden brillar los actores en esta maravillosa obra. Donde nos muestra la lucha a favor y en contra del amor humano, pero también el sentido, doloroso y decidido.
Es difícil escribir la conmoción que produce en la madre la decisión de Nina de suicidarse. Y si nos ponemos a describir el mundo, ¿Cuáles son los puntos esenciales que nos llevan a convivir con una persona, siendo polos opuestos? Lo que nos lleva a hacernos las preguntas mencionadas anteriormente, la filósofa post-estructuralista, ostentará [desde una perpectiva general, para tener un mejor enetendimiento de las corrietes que nos mueven y norman en cada tiempo y lugar] en su texto el concepto de sexo como un determinador de las diferentes cualidades que el ser humano va a realizar, desde una perspectiva biológica (o anatómica). Lo que posteriormente, se utilizara como herramienta que definirá la noción que se tendrá de hombre y mujer. Por otro lado, el género se presenta como un elemento que es construido por el contexto cultural y sociales que el sujeto va experimentar. Donde cada entidad debera actuar bajo determinado rol. Esta reiteración de rasgos (o categorías) impuestos por una sociedad es adoptada y representado (e exteriorizado) en su cotidianidad. El individuo puede no pertenecer (o sentirse) parte del sistema binario que la heterosexualidad obligatoria va a imponer, que puede ser recompensada o castigada.
En la obra, los personajes, muestran como estos elementos (tradicionales) se incorporan en su diario vivir concibiendo pensamientos de como se ven ellos mismos ante un entorno. La otredad, es un claro ejemplo de la construcción que las protagonistas van a tener sobre ellas, y como esto se ve influido en el desenvolvimiento de la trama. Los miedos de no triunfar son un claro ejemplo que el ser humano ha tenido que lidiar al momento de desenvolverse laboralmente, socialmente, intelectual, entre otras. Mostrando uno de los puntos centrales que el género femenino ha tenido que mutar para su reivindicación. Por consiguiente, el cimiento que van a imaginar (y desplegar hacia el publico) será un efecto-espejo, de como el resto las divisará (tanto lo pensado por y para el hombre) y la mirada histriónica que se tendra sobre si mísma.
Ser mujer para Nina a significado este último tiempo una dualidad, entre como debe actuar para el resto y hacia la persona que ve en el reflejo del espejo, exhibiendo, de manera ruptural los fantasmas que el patriarcado y la sociedad a marcado en su diario vivir. Así mismo, cada personaje desalojara todos los grandes mierdos que el cuerpo de niña a tenido que cargar bajo los roles políticos que beneficia a otro, donde los medios de comunicación de masa han jugado un papel primordial en como las personas se perciben, buscando la aceptación que cumpla con los patrones que definen ser una persona exitosa y feliz. Guiando al cuerpo y a la mente a tomar decisiones limites que atenten su integridad fisica y emocional; solamentene por un like (en otras circunstancias, como lo es en la vida del personaje, el ciberespacio no se ha reconocido como una pieza fundamental al momento de enjuiciar las decisiones que a tenido que tomar a lo largo de su vida [como lo es para ti o para mi], ya que la obra se situa en un tiempo distinto que no es muy alejado al que estamos). Si la mujer se encuentra subyagada a tales caracteres normativos que la construyen para ser parte de esta jerarquización por el género. Lo que vuelve audaz ha la obra es que la trama será pronunciada y articulada por hombres que interiorizarán los más grandes temores que corrompen al género. Esta performance, fomenta a discutir los roles que cada persona debe ejecutar (tanto biologico como cultural). Ya que, (en el ahora) las metas ha ido creciendo, y si antes las mujeres eran confinadas a la cocina y la crianza, hoy se busca la igualdad que fue oprimida e humillada por el sexo más “fuerte”. Cabe agregar, que el ser mujer hoy en día esta bajo un proceso de transformación que se rigira por los intereses (contexto) que cada cultura presente ante el tema. La disputa esta entre nosotros, no seamos otra Nina.
Quizás la Trágica agonía de un pájaro azul, nos abre un abismo terrible de nuestra realidad, en donde los hijos siguen viviendo con sus padres hasta los cuarenta, abriendo una herida con una infección como cáncer come todo a su paso. Y que, conmociona tanto, que cuando la solución (aparentemente) termina por aparecer, hay alguien que desde hace un largo rato nos ha abandonado.
Texto: Evelyn Riquelme Fotografía: Eve Brown
0 Comments | Views: 28
Share

Eterna Inocencia en Chile, El sonido del pueblo y la tierra

Hemos visto recientes productoras , quizás incluso de tiempos pasados, que han hecho del punk-rock un negocio inmundo, rodeado de un espantoso mal gusto, falta de criterio, credulidad y manipulación. En cambio, Mala Idea, apostó por el placer, diversión, e inventiva en darle un poco de aire a la escena local. Somos parte, como ninguna otra expresión cultural ha podido hacerlo, de generar una visión crítica del mundo en al menos tres o cuatro generaciones. Sorprende y con la ayuda de productoras sub-culturales, y, como la que ya mencionamos, pueda seguir sobre-poniendose a interminables males internos y externos del HardcorePunk y seguir gozando de un poco de la buena salud que queda. Recordamos el limbo y el miedo que generan aún a las intendencias la palabra “Punk” esparcida por todos lados, pero eso es harina de otro costal. Cada opinión acá claramente es subjetiva.

Foto: Durante E.I

Foto: Durante E.I

Podré pecar de insistente, pero a esta altura, el tema del poco interés que despiertan bandas locales, ya no es solo responsabilidad del músico en cuestión, sino de la prensita indie, revistas y público que no puede hacerse el distraído. Podrán decir que: “Si no nos gusta una banda, tenemos todo el derecho a no entrar al show”, “restarnos y un etc de comodidad”, como me han sugerido muchas veces. Que se puede: “Cambiar de canal”. Para mi es una actitud más que progresista, ya que nosotros, no queremos cambiar de canal, si bien no desconozco el hecho y las carencias por las que pasa la música actual, sí, puede haber una solución al problema.
La variedad, desde luego, no excluye la calidad. pero para ser franco, y por lo dicho, me parece que la vitalidad del ambiente musical, a nivel local, hace mucho tiempo que está corriendo peligro.
Con estas lineas no quiero iniciar una polémica, ni mucho menos ofender a la audiencia -ya cada cuál hará lo que le entre en gana-. Solo pretendo defender la tarea silenciosa de la música independiente y de las tantas horas de sala de ensayo mensual serio y a su vez pararse en escena. Sé que no es fácil que el público local logre interesarse al 100% por las bandas que abren un show. Pero ya me parece de mal gusto, si se quiere, que una banda haga un set, de aproximadamente veinte minutos para tres personas, si mal no me equivoco, y un cúmulo apostado en la parte posterior. En fin cada cuál tendrá su visión, no somos dueños de la verdad, por suerte. Pero donde el pregón principal de un show es la, “solidaridad”y su ética, la cosa podría resultar distinta.

 

Corrosión del Carácter

Corrosión del Carácter

Vamos a la primera agrupación local, C.D.C, y lo que se manifestó el sábado recién pasado 21 de Mayo en Kmasu premiere. Hay que tener un cierto parentesco con un guerrero. No solo aguantas -cariñosa o despectivamente- un público que desconoce tú música, una prueba de sonido a la rápida, con el compromiso de empezar a sonar apenas se abran las puertas. Sino que ademas si eres una banda acostumbrada, al calor de shows de barrio y que han tenido que saber construir una personalidad propia y como todos quienes hemos pasado por el ambiente musical de una u otra forma, volver a gestionar e-mails, nuevos shows, y un sin fin además de compatibilizar: familia y música, un bien no menor.

A pesar de lo anterior, Corrosión del Carácter logra incorporar en este setlist, como ejemplo, elementos de la musica Punk, Thrash y Hardcore, ritmos que acompañados de feroces letras, hicieron propios tras un año tratando de de que esta mixtura resultara: vida y banda. En suma, en los cerca de 5 a 6 tracks, reúnen en su iconografía una militancia tacita, un revoltijo ideológico-combativo de lo que se vive a diario, con letras que los emparentan más a unos Eterna Inocencia, en lo político-social, que en lo musical.

Corrosión del Carácter

Corrosión del Carácter

Los santiaguinos, tienen momentos de intensidad y velocidad para apoyar, son canciones que gritan y gritan contra todo lo que aprisiona, sueños de libertad, que funcionarían perfecto. Como la voz de cientos de miles de adolescentes de todo el país. En cuanto a la agrupación y lo que ya hemos hablado, la vimos apretada en el mínimo que tocaron . Si bien, cumplieron con su show, a mi parecer creo que es una banda merece una segunda oportunidad y buscarla para interiorizarse un poco más de ellos y su futura placa que esperamos vea luz.

Bueno es hora de seguir y el “show debe continuar.” Era la hora de probar lo que traía 608-Z, quienes han sobrevivido y experimentado diversos cambios generacionales de un público. Los chicos han orgullosamente trabajado su mas reciente y homónica placa, con Roy Ota, guitarrista de Eterna Inocencia, con quien los une un vínculo, aparte de registrar en sus anaqueles un tour Europeo con hermosos registros visuales y sonoros acústicamente -llegando incluso a una Revolver Records en la calle Taller de BCN- y me imagino que más de 100(?) presentaciones a lo largo de su carrera. Resulta auténtico y fresco, ver a un artista en la actualidad que ha logrado sobrevivir a la modernización artificial de las orquestaciones o la forzada renovación del repertorio. Si bien han pasado 18 años desde que se subieron a la primera tarima, es durante esta última parte del tiempo que han capitalizado esos pequeñitos trofeos que uno guarda en el estante de los recuerdos.

Abuelo , 608-Z

Abuelo , 608-Z

Hay una ubicación en el imaginario social y cultural que cambia con los tiempos, la realidad muestra que mas allá de lo que ocurra en el género, “608-Z” tiene un presente que está ligado de manera indestructible a la participación juvenil -claro está sin dejar a los conocidos que vamos creciendo- pero mientras esté, este público juvenil y siga creciendo, “608” tiene bastantes años por delante. Hay que tener ovarios para seguir adelante sin una pieza del tridente pero lo lograron. Tras la partida de Matías, la banda dio finalmente con Pedro Fermín en el bajo, quien venía de presentarse aproximadamente desde el 2006(?), con el proyecto “Die, Die My Cinderella” para luego decantar en “Malacura” dos estilos totalmente opuestos, por lo que no le resultaría difícil, acomodarse y subirse a la patineta.

Pedro, 608-Z

Pedro, 608-Z

Los chicos arriba del escenario desparraman humildad, sinceridad, y se les ve amables y potentes, completamente despojados de paranoias. “Patina y destruye” “Indignados” y “M.A.S” fueron haciendo que el recinto se transformara en un pequeño karaoke, adelantando lo que vendría. Tal vez como dijimos anteriormente, el público quizás no sea una gran cantidad, pero demuestra fidelidad. A mi parecer, la banda es de una honestidad brutal, son de los que se sacan cualquier problema sonoro de encima, optando por usarlo a su favor, más que rechazarlo, optan por subrayar su costado mas Punk, por ende, a diferencia de una escucha del disco y del directo, no fue exactamente el disco lo que escuchamos en vivo, sino por sobre todas las cosas, un show de punk-rock como en “Comenzar de nuevo” “Cambio” y “Manuel”. En este contexto hay ciertos temas que hacen que “608-Z” en vivo crezca enormemente, la consigna es clara: divertirse y hacer un show que conmueva, no sé si será necesario dar otro ejemplo como recuerdo.

Mackenzie, 608-Z

Mackenzie, 608-Z

De este modo el público vuelve a asistir a un curioso fenómeno, un show correcto, con un set list mezclado, pero con una desición acertada, cuando todo sale bien. De manifiesto quedó demostrado, porque la gente así lo entiende y responde, a la convocatoria y propuesta que una banda, con respecto, y si no me he referido a su ultima placa, editada ya hace un tiempo, es un recurso que ejemplifica lo mejor de la actitud de este nuevo disco: nuevos aires, sin abandonar los espejismos y el sonido borroso al que se sometieron al trabajar con un productor, para robustecer sus canciones y salir ganando. Hey Ho skate Rock!

ETERNA INOCENCIA: “Me parece increíble haber partido a los 17 años y estar casi en los 40 y seguir en estoGuille Mármol.

Para esta hora y los minutos de espera la situación ha cambiado, el recinto lleno es una muestra. Hay una certera conexión entre la lírica de Guillermo Mármol y los compositores – sin olvidar a Tatán- que han pasado por la agrupación trasandina. Una entrañable amistad, con el público chileno desde fin de los noventas. Si el 2013 cuando “nosotros” los vimos por última vez, en un regreso catártico en Arena Recoleta, y efectivamente rabioso directo, en el cual enumeraron casi por completo su disco: “Las Palabras y Los Ríos”
Hoy, tal como serían las primeras palabras de Guillermo: “Queremos presentarle nuestro nuevo disco: Entre llanos y Antigales”. El onceavo trabajo discográfico de Eterna Inocencia, después de siete años de ausencia en lo que a placa física se refiere. Cada track, en donde están esas palabras, esas herramientas que resultan tan indefensas como peligrosas y es increíble lo que concretan junto a los demás músicos. Acá no es necesario una mesa de pirotecnia, son dueños de un balance único y fenomenal, que los hizo partir con “Entre llanos…” pasearse por “Puentes de piedra” -lejos un gran comienzo- para continuar con “Tus Heraldos” y la versionada por Mackenzie & MNED “Cassiopeia”, para dar paso a esas obras que ocupan completamente los minutos que nos se pueden resumir en un disco, salvo el directo.
Eterna Inocencia

Eterna Inocencia

El tiempo no ha pasado en vano, el oxígeno que les otorga “Entre llanos y antigales”, fue bueno para empezar y someterse a ese sentimiento de frescura-cuestionamiento, una continuación heredada desde “EI” (2009) en cuanto a ritmo de trabajo. Impacta la cantidad de acción que sigue a ese comienzo, sin apresurarse, largan como si nada: “A los que se han apagado”, “Viejas Esperanzas”, “La muerte pobre”, “Trizas de vos” y “Desposeídos” y la efervescencia crece entre el público donde llegar a las primeras filas era la premisa.
Eterna Inocencia, parece decidido a renovar su título, día tras día, álbum tras álbum, y renovando su público sin dejar de lado a aquellos que los vieron crecer. Abundantes presentaciones en vivo, un DVD gestionado en Chile, de la mano de un CD, al que llamaron “Una tarde mágica”, hace honor a los buenos tiempos que viven en su conexión con la música, son sus tiempos su estudio. El directo es su fuerte y a pesar que algún docto musical, podría decir que ni los tonos musicales de Guillermo en la voz, ni la ejecución es perfecta, el aura lo mantiene como una persona genuina, honesta y horizontal al decir las cosas, recreando buena parte de sus clásicos juveniles como “Le pertenezco a tus ojos” y “Nuestras Fronteras”. Quizás ese sea el concepto, de que al discurso crítico, que va desde el texto al espectáculo, desde el proceso de investigación, que los contiene y la problemática de una Sudamérica y un país que muchas veces cruza fronteras a través de los cantos. No podemos olvidar en esas canciones como: “Desmonumentar” donde se toca la problemática de Julio Roca y el proyecto “Derroquemos a Roca”, en el que ampliamente estuvo involucrado Guillermo y Eterna Inocencia, tocando un par de fechas en vivo, y quizás otra como “Dejen a los cerros en paz” visibilizando la violencia y los resultados (muertos, heridos, detenidos). El sistema siempre actuó igual: con esa virulencia inucitada. Esta no es música para ciegos, menos para torpes y aunque mis dichos suenen “pretenciosos”, buscamos el auto cuestionamiento, que claramente no podemos decirte como hacerlo, pero si ponernos de tu lado.
Eterna Inocencia

Eterna Inocencia

Durante los distintos pasajes, el set baja en su intensidad para darle espacio a: “Desencontrándonos”, “Verano en tu ventana”, “Beatriz” y “Vientos del amanecer” las cuales presentan una cuota de emotividad desbordante, que podía fotografiarse en los felices rostros de los seguidores locales. Cerca de los bises, llegó la catarata de temas y con ellos la apoteósis, junto con esto, ya habían pasado casi dos horas. No vamos a explicar lo que se vivió en “Hazlo tu mismo” o en “Arte es disfrutar” y en la tan pedida “Weichafe Catrileo” donde la audiencia pogueó y se zambulló desde arriba del escenario, en perfecta armonía, salvo por la agresividad excesiva por momentos de los queridos guardias.

Si bien se dieron el tiempo para tocar sobre dos horas, el tono dulce y mesurado de algunas canciones, bajaron el nivel de la presentacion en cuanto a intensidad, no así en cuanto a sentimiento. Tal vez, E.I marca en Kmasu Premiere, el registro de un momento importante en su carrera, pues como ellos mismos defienden, no son los chicos del ayer ni tampoco los viejos del mañana. Terminaron con una canción pedida a gritos, originariamente publicada en el disco: “E.I” llamada, Weichafe Catrileo, dedicada a la triste muerte, una de tantas, que ha sufrido el interior del pueblo Mapuche, y este historiador y profesor, bien que lo sabe.
Quizás podríamos resumir E.I, como un grupo de jóvenes que desde la edición de Punkypatin (1995) han saltado del skate al punk, hardcore, rock. Todo en una mezcla de reivindicación social y sub-cultural, pasión descontrolada que encontró un excelente público, quienes los respetan y empatizan con su métrica, a éste lado de la cordillera.
A modo de cierre, significa, definitivamente, el signo de estos tiempos, en que una canción con contenido vale más que lo que nos enseñan en las mentiras de la TV o diarios chilenos o globales. Pero no podemos dejar de recordar, que la lucha del barrio, resulta inapelable e indiscutible, no solo cuando estás vivo y sobre un escenario, sino también cuando te bajas de éste y vuelves a casa. Cuando por fin hay mas de lo menos, sería injusto pensar que quienes se han sentido tocados por las letras más políticas no asistieran y declamaran a través de pancartas a quienes han perdido en las injusticias de un sistema, para poder despertar por un instante a quienes se han apagado. Sin duda, una bonita tarde-noche.

 

0 Comments | Views: 29
Share